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jueves, 9 de febrero de 2012

La ilustración digital 2D.

Hay dos grandes formas de ilustrar digitalmente: 2D y 3D. Mi especialidad es la primera que, a diferencia de la segunda, se trabaja sobre un lienzo virtual donde los objetos se construyen basados en dos dimensiones: alto y ancho. 

Para mis obras uso principalmente cuatro programas de dibujo y pintura a saber: Corel Draw, Adobe ilustrador, Corel Photopaint y Adobe Photoshop. Son muy conocidos entre el gremio local de diseñadores. Son programas muy potentes, muy versátiles que pueden servir para hacer todo tipo de expresiones gráficas, con ellos puedo armar un afiche, hacer un plano industrial, diagramar una revista o  pintar un desnudo. La era digital ha permitido poner al alcance de cualquiera desplegar toda la creatividad posible.

En el campo del diseño, dada la premura de tiempo con que se trabaja, se depende de las herramientas automatizadas incorporadas en los programas. Así, se generan automáticamente tramas, veladuras, texturas con tan sólo usar combinaciones de órdenes que se le suministran al computador. Casi todos, o todos, los diseñadores no dibujan, sino que pegan, remplazan, modifican con los comandos, trasmutan imágenes ya existentes en otras muy diferentes. En el campo artístico no es siempre así, como se trata de “pintar” y “dibujar”, el artista digital usa las herramientas que traen los programas como si fuesen pinceles, lápices o aerógrafos.

En mi caso, uso las herramientas de Corel o Adobe Ilustrador para dibujar sobre un original hecho a mano que ha sido escaneado. Poco a poco voy haciendo las formas maniobrando el Mouse como si fuese un lápiz multifunción. Es un método dispendioso que requiere muchísima práctica y conocimiento de las reglas del dibujo, así como de armonización de colores.  También, para facilitar la experiencia y hacerla más intuitiva, se puede emplear una tabla gráfica en vez de mouse.

Tipos de ilustración 2D en el arte digital
Hay dos: la ilustración en bitmap y la pintura vectorial.  La primera trabaja a base de pixeles, o puntos de imagen, que agrupados forman un conjunto. Una imagen puede tener millones de píxeles, y estos pueden ser manipulados y tratados por los software especializados.
Adobe Photoshop,  Corel Painter, y Corel Photopaint. Con ellos puedo “pintar” como si el monitor fuese un lienzo interactivo.

La ilustración vectorial no trabaja con pixeles, trabaja con líneas, curvas, y otros objetos independientes que pueden ser seleccionados por separado. Aquí no se pinta como en la forma bitmap, sino que se dibuja y se ensambla. Los colores de una obra son en realidad pedazos de recortes que se van superponiendo como un gran rompecabezas.

Como verán, trabajar una obra en el PC es una labor tan dispendiosa como hacerlo manualmente. Cada componente es dibujado, pintado y retocado maniobrando el Mouse. Trato, en mi caso, de no “automatizar” el trabajo y sólo recurro a estas ventajas digitales como un apoyo más. En esencia, el PC es una herramienta como lo puede ser una espátula, un pincel, una barra de carboncillo o un lápiz.

martes, 13 de diciembre de 2011

Haciendo un camaleón con Ilustrador y Photoshop

La pintura digital brinda infinitos medios de expresión que se traducen también en rapidez de ejecución. De hecho, esta ilustración hubiese requerido de largas sesiones de trabajo si la hubiese hecho al Aerógrafo o a la Acuarela. La computadora y los software de dibujo, retoque, pintura y modelado digital han facilitado el trabajo de los ilustradores. Sin embargo, y  es una opinión muy personal, para realizar una ilustración digital auténtica y de calidad hay que tener  bagaje en el uso de técnicas tradicionales, así como de dibujo académico y arte.






Fig 1.Para realizar la ilustración del camaleón, me remití a una fotografía, ya que se trata de una expresión hiperrealista. Luego, abrí el software de dibujo Adobe Ilustrador CS4 para dibujar el contorno del camaleón y así definir las zonas de coloreado. El rojo, verde, morado y amarillo que les he puesto a cada zona es para diferenciarlas a la hora de colorearlas en Photoshop Cs3



Fig 2. Aspecto que presenta la ilustración a esta altura. Las zonas de coloreado están claramente definidas merced al dibujo realizado en Ilustrador.



























Fig 3. Viene la etapa de coloreado. Abro Adobe Photoshop  CS3 y de manera cuidadosa empiezo a aplicar textura y color. Elijo el cuerpo del camaleón (que estaba de color rojo) con la varita mágica para dejar la máscara hecha. Es el mismo método que empleo cuando trabajo al Aerógrafo, sólo que emulado digitalmente.






Fig 4. Para desarrollar la textura y tono de la piel, hice un lienzo de muestra. Con el cuentagotas, traslado la información  hasta el cuerpo del camaleón. 
































Fig 5. Paulatinamente, voy dando color, tono y textura al resto del cuerpo del camaleón. Asimismo, desarrollo el fondo poniendo atención a la fotografía.




Fig 6. Detalle del desarrollo de la cabeza del camaelón, donde trabajo la textura importada del lienzo de la fig 4 aplicándole tonos, detallado verrugas, zonas de sombras...en fin todo lo necesario para dar una impresión realista.




Fig 7. Finalmente, después de un concienzudo proceso de coloreado, desarrollo de texturas y detalles, la ilustración está terminada. Es fundamental tener en cuenta el tema de la luz, su dirección, además de  su incidencia sobre los elementos de la composición para lograr el efecto de relieve, realismo y profundidad.


martes, 8 de marzo de 2011

LA AEROGRAFÍA parte I

Fragmento de la pintura aerográfica "ABANICO CREATIVO" de
Héctor Barceló, autor del BLOG y de este artículo.



Un breve repaso sobre esta difícil técnica que ha sabido desligarse del ostracismo de los puristas para ocupar un lugar digno en el mundo artístico.


Qué es la aerografía? Es la técnica pictórica que utiliza la pintura pulverizada a través de un chorro de aire para aplicar color cobre una superficie plana o tridimensional. El instrumento esencial en esta técnica es el aerógrafo , que es en resumidas cuentas el aparato que usa el ilustrador para pulverizar la pintura merced a una fuente de aire comprimido.


TIPOS DE AERÓGRAFÍA
Hay tres tipos esenciales de aerografías:
De máscara fija
De máscara suelta.
A mano alzada

La primera  (que, por cierto, es la que más requiere habilidad y destreza) consiste en pintar reservando el espacio mediante una máscara previamente recortada. La máscara se hace por medio de una película autoadhesiva transparente que se pega sobre la superficie de trabajo para después recortar con un bisturí aquellas zonas donde el artista desea rociar pintura. Esta operación se repite pacientemente muchas veces hasta que queda completada la ilustración. Obviamente mientras se rocía una zona recortada el resto de la pintura queda cubierta con la película, lo que imposibilita tener una visión completa de ella mientras se pinta. Esto obliga al artista a memorizar la parte del trabajo que está tapada (recordar su tonalidad de sus colores, su intensidad etc) para poder desarrollar correctamente la zona que está pintando en ese momento. Esta es  la razón por la cual se afirma que el artista de aerógrafo “pinta a ciegas” .La  aerografía de máscara fija es la usada a nivel profesional para trabajos destinados a la impresión, y fundamentalmente es para soportes de tamaño relativamente pequeño.


En el segundo tipo, de máscara suelta, el espacio a pintar no se reserva con película adhesiva, sino, con otro tipo de elementos, tales como: cartulinas, acetatos, cartones, o cualquier otro material. Así, el artista utiliza sendas máscaras recortadas de diversas formas para reservar o tapar zonas. Como estas máscaras no se pegan a la superficie de trabajo se les llama “sueltas”. Se pueden asegurar, para que no se vuelen mientras se rocía, con la mano o con (si el soporte lo permite) cinta adhesiva, chinches, alfileres etc.


Utilizando cartulina como  máscara suelta sobre un soporte de tela.


Ya en el tercer tipo no se usa ningún tipo de máscara, ya que el artista resuelve toda la ilustración  libremente sin delimitar y reservar zonas. Graduando el grosor del choro de pintura pulverizada, resuelve volúmenes, define bordes etc.
Es más común este tipo de aerografía en el muralismo donde el tamaño del área de trabajo hace oneroso el uso de máscaras para cubrir zonas a pintar.


Sin embargo, y por experiencia propia, lo más común y recurrente es que muy poco se use al cien por ciento un solo tipo de aerografía durante el desarrollo de una pintura, incluso si es un mural. Aunque se este aplicando película autoadhesiva, habrá algún momento en que se recurrirá a una máscara suelta para definir algún detalle (un brillo borroso con pintura blanca, un borde que deseamos se vea difuminado etc.) O en algunas ocasiones se hará necesario pintar a mano alzada en ciertas zonas, como un celaje con nubes por ejemplo.
Igualmente, pintando un mural podrían emplearse mascaras para definir los detalles que  el artista crea necesario.


Pinturas y soportes

Es posible utilizar cualquier tipo de pintura en la aerografía: Óleo, Acrílico, vinilo, Laca, Acuarela, Tinta. Sin embargo, sólo esta última puede usarse directamente, sin necesidad de diluirla; lo cual, la convierte en la más utilizada ya que no hay peligro de que se tape el aparato. En cuanto al resto, el aerógrafo las pulveriza siempre y cuando se diluyan muy bien con el solvente adecuado  (hasta que queden con la consistencia de la leche) para garantizar el buen rendimiento del aparato. 

Con los soportes  pasa igual: se puede usar cualquiera, ya sea papel acuarela, cartón durex (el que yo uso) acetato, lienzo o la superficie de una pared.


El aerógrafo

El aerógrafo se ha constituido en una importante herramienta de expresión gráfica a través de la historia, ya sea en el aspecto publicitario o artístico. Fue inventado en 1893 por el acuarelista inglés Charles Burdik en su afán de encontrar una forma rápida y efectiva de colorear celajes.

Básicamente el aerógrafo funciona gracias al principio de atomización interna, Un caudal de aire comprimido pasa por la boquilla donde se mezcla con la pintura. El vacío que se crea en la parte delantera de la boquilla hace ascender la pintura del depósito y la mezcla con el aire comprimido, lo cual permite su salida en pequeñísimas partículas agrupadas en forma de chorro. Este puede ser controlado y regulado alternando la proporción aire/pintura mediante una palanca.


Aerógrafo de acción doble Paasche

Aerógrafo de acción doble Astek

Aerógrafo de acción simple

Hay aerógrafos que sólo pueden alternar la proporción de aire, lo que quiere decir que en estos modelos la palanca de control se acciona sólo para dejar pasar aire y así pulverizar la pintura, no es posible alterar la proporción conjunta aire/pintura. Si queremos alternar la tonalidad de una rociada debemos variar la distancia ente el aerógrafo y la superficie de trabajo. A este tipo de aerógrafos se le denomina “de acción simple” y es el más apropiado para trabajos sencillos y de poca precisión.

El otro tipo de aerógrafo es de “acción doble” que permite al ilustrador regular el aire y la pintura con un sola palanca de control. Al apretarla hacia abajo se regula el aire y al correrla hacia atrás se regula la cantidad de pintura. Estas características permiten realizar, con suma facilidad de control, degradaciones y líneas finas.


FUNCIONAMIENTO DEL AEROGRAFO

El la parte delantera del aerógrafo está la tapa de aire y esta a su vez, aloja la boquilla. La tapa de aire está diseñada para dejar pasar aire alrededor de la boquilla. Unida a la tapa de aire por medio de una rosca está la guarda de la boquilla que tiene la misión de protegérla de posibles golpes.

La boquilla es la parte más importante del aerógrafo, puesto que tiene el encargo de controlar el chorro de pintura. Justo dentro de la boquilla se encuentra la aguja de fluido que se mueve hacia delante y hacia atrás; esta cooperación conjunta entre la aguja y la boquilla permite controlar el flujo de pintura proveniente del depósito de pintura. La aguja pasa a través de la columna ahorquillada de la palanca de control, de su caja de muelle y se apoya suavemente en la punta de la boquilla. Para mantenerse fija en su posición, la aguja tiene un tornillo de sujeción.


"Retrato surreal" 2000. Aerografía del autor del Blog y del presente artículo.



"Yo" 1999. Aerografía del autor del Blog y de este  artículo.



"Valeria" 1999. Aerografía del autor del Blog y de este artículo


Ilustración: Héctor Barceló, autor del artículo.
Ilustración: Héctor Barceló, autor del artículo.




















El suministro de aire es controlado por un preciso sistema de válvula ubicado en el cuello del aerógrafo. Cuando se oprime hacia abajo la palanca, la válvula deja pasar el aire inmediatamente.

SUMINISTRO DE AIRE

El aerógrafo necesita un suministro de aire comprimido para pulverizar la pintura. Para esto existen diversos sistemas como latas de aire, compresores  de diafragma, de pistón, etc.

Las latas de aire consisten simplemente en pequeños cilindros que se asemejan a los recipientes de los desodorantes. Contienen en su interior un volumen determinado de aire comprimido que suele ser de 500 cc. En la parte superior disponen de un válvula especial para enroscar la manguera del aerógrafo. La principal desventaja de este sistema es que la cantidad de aire que contiene la lata se va agotando poco a poco con el uso, y esto trae como consecuencia que la presión vaya bajando y finalmente afecte la consistencia del chorro.

Compresor de aire con tanque, filtro y regulador.
Si se desea hacer trabajos detallados o de calidad profesional es imprescindible la adquisición de un compresor que expulsa aire comprimido constante merced a un mecanismo de compresión que es accionado por un motor eléctrico.

Hay compresores de aire por medio de un diafragma que oscila hacia arriba y hacia abajo dentro de un cilindro. Esta oscilación hace fluctuar el aire hacia el aerógrafo. Cuando el compresor tiene el sistema de pistón, el proceso es igual al sistema de diafragma solo que en este caso es un pistón el que encarga de fluctuar el aire hacia el aerógrafo. 

Existen compresores de pistón que traen incorporado un tanque, filtro de humedad con indicadores de nivel de humedad. Otros no tienen tanque y sólo disponen del filtro de humedad.


La aerografía en las artes.

Aerografía  del artísta japonésHHideaki Kodama 
En su obra “El gran libro técnico del aerógrafo” de Miguel Ferrón y José M. Parramón, este último dice  con respecto a la aerografía: “Ya no hay problema, ya no hay rechazo (por parte de los círculos artísticos)  actualmente se celebran exposiciones de arte de obras pintadas exclusivamente con aerógrafo; y hay nombres de artístas famosos, en el arte de resolver y pintar cuadros con aerógrafo..” En efecto, en el mundo entero, pero especialmente en EU y Europa, hay pintores  de renombre que han usado este instrumento  para hacer obras plásticas, pero no siempre fue así. Durante muchos años, la aerografía fue una técnica relegada de las artes plásticas. Se le veía como un medio para resolver solamente  trabajos publicitarios, sin embargo, con el advenimiento del Pop Art  las cosas cambiaron. La aerografía tuvo cabida inmediata en ese movimiento y desde entonces ha venido gradualmente instalándose  en los círculos artísticos. 

Uno de los movimientos artísticos donde el aerógrafo ha hecho gran contribución, además del mencionado Pop Art es el Hiperrealismo. El hecho de que se pueda obtener finos detalles y bordes exactos mediante un buen manejo del instrumento posibilita la obtención de resultados impresionantes, como el ejemplo de arriba y el de abajo.


Aerografía de Gottfried Helnwein  

Sin embargo, el aerógrafo no posibilita realizaciones fáciles. Hace falta años para conseguir resultados aceptables, además de poseer un previo conocimiento cabal de dibujo, pintura y manejo de técnicas tradicionales (pincel, acuarela, pasteles, sanguina etc) Como dice el artista de aerógrafo  Italiano Pierluigi Gatto, abordar el aerógrafo es como "...aprender a dibujar desde cero"   

martes, 30 de noviembre de 2010

Haciendo un comic PARTE II





Después del dibujo, llegamos al color. Antaño hacia esto con acuarelas, lápices de colores y rotuladores; pero ahora, me he cambiado, por su rapidez y calidad, a los medios digitales. Para este caso empleo los software Photoshop y  Corel Draw. Acudo a la versión Cs2 en español en el caso del primero y a la versión X5 en el caso del segundo. 

Para digitalizar la lámina dibujada a mano, le tomo una fotografía con ayuda de un tripode y una cámara Kodak con función de estabilización de imágenes ( máximo enfoque ) Después de varias pruebas cuidadosamente realizadas, inserto la foto en el interfaz de Photoshop y empiezo el trabajo de color:





Reservando espacio con la barita y el pincel coloreo 
el rostro del primer plano.



Para el oleaje y las rocas de los espolones, el mismo método.


Poco los personajes de los primeros planos van tomando
colorido. Sombras, reflejos, texturas aplicados hacen del dibujo
un ambiente dinámico y con vida.


Ahora procedo a pintar la heroina, insertándola en la interfaz de Photoshop.
Cuido de que la iluminación de ella esté acorde 
al resto de la escena.


Desarrollo la heroina, completando el resto de su cuerpo.
Siempre usando la varita para reservar y el pincel en modo 
de aerógrafo para colorear.


En la escena hay una Luna a lo lejos. Para hacerlo, abro 
inicialmente el software Ilustrador Cs4.



Después traslato el circulo a Photoshop y desarrollo
la atmósfera de la Luna. (utilizo la opción esferizar )


Una vez pintada la Luna la coloco en su sitio, asimismo pinto
el resto del cielo crepuscular.


Inserto la lámina en Corel Draw y coloco la heroína
 (ya terminada de pintar) en su  lugar.


Finalmente coloco los globos y los textos en Corel y guardo 
el archivo en formato CDR, para imprimirlo.






martes, 23 de noviembre de 2010

Haciendo un comic PARTE I





Este es el proceso que empleo para dibujar y pintar una lámina de la novela gráfica "Epopeya", de mi autoría. Para el dibujo usé una pluma fuente profesional Rotring Art Pen, rapidógrafos  desechables 0.3 y 0.5 marca Staeddtler  y Edding respectivamente, plumillas, pincel No. 4 y un marcador de tinta permanente; asimismo, tinta marca Sheaffer para la pluma fuente y tinta china corriente para las plumillas. El soporte, cartulina Durex de 80 gr tamaño 35 x 50 cm.Para el color, use medios digitales como el programa Photoshop que es excelente ( y muy usado en por los comiqueros Manga)

Debo aclarar que estos materiales y procedimientos pueden que no se parezcan en nada a los que usan otros dibujantes, de hecho, cada uno (de acuerdo a su experiencia) emplea los implementos con los cuales se sienta más cómodo. 



Antes de empezar a trabajar, ojeo muestras de comics para ajustar el estilo.
Como se puede apreciar en esta foto, mi comic está  inspirado
en el dibujo de Harold Foster.



Después de tener una idea clara y precisa sobre la composición de la escena, empiezo a dibujar usando un lápiz HB.


Resuelvo las figuras a medida que profundizo en los planos.


Entinto con la Pluma Rotring.


En forma cuidadosa se resuelvo  los detalles.


Para los intersticios más  complicados (pupilas, pliegues de párpados, orejas..etc) uso una plumilla fina cargada de tinta china.


Con el pincel voy trazando el oleaje del mar tempestuoso que hace
parte de la escena.


Aspecto de la escena, donde se aprecia el trabajo del pincel y la 
pluma rotring para darle forma al oleaje.


En la composición también aparecen unos espolones  rocosos, los cuales
los resuelvo con el rapidógrafo, la pluma rotring y un marcador permanente.


La primera parte de la escena terminada.


Ahora procedo a dibujar el personaje central de la lámina: la heroina que aparece para ayudar al grupo de exploradores. Cabe resaltar que este dibujo lo hago en un cartón aparte para después integrarlo a la composición una vez empiece el trabajo digital.