artiscropolis

Haciendo un camaleón con Ilustrador y Photoshop

2011-12-13T13:52:00.000-08:00

La pintura digital brinda infinitos medios de expresión que se traducen también en rapidez de ejecución. De hecho, esta ilustración hubiese requerido de largas sesiones de trabajo si la hubiese hecho al Aerógrafo o a la Acuarela. La computadora y los software de dibujo, retoque, pintura y modelado digital han facilitado el trabajo de los ilustradores. Sin embargo, y es una opinión muy personal, para realizar una ilustración digital auténtica y de calidad hay que tener bagaje en el uso de técnicas tradicionales, así como de dibujo académico y arte.

Fig 1.Para realizar la ilustración del camaleón, me remití a una fotografía, ya que se trata de una expresión hiperrealista. Luego, abrí el software de dibujo Adobe Ilustrador CS4 para dibujar el contorno del camaleón y así definir las zonas de coloreado. El rojo, verde, morado y amarillo que les he puesto a cada zona es para diferenciarlas a la hora de colorearlas en Photoshop Cs3

Fig 2. Aspecto que presenta la ilustración a esta altura. Las zonas de coloreado están claramente definidas merced al dibujo realizado en Ilustrador.

Fig 3. Viene la etapa de coloreado. Abro Adobe Photoshop CS3 y de manera cuidadosa empiezo a aplicar textura y color. Elijo el cuerpo del camaleón (que estaba de color rojo) con la varita mágica para dejar la máscara hecha. Es el mismo método que empleo cuando trabajo al Aerógrafo, sólo que emulado digitalmente.

Fig 4. Para desarrollar la textura y tono de la piel, hice un lienzo de muestra. Con el cuentagotas, traslado la información hasta el cuerpo del camaleón.

Fig 5. Paulatinamente, voy dando color, tono y textura al resto del cuerpo del camaleón. Asimismo, desarrollo el fondo poniendo atención a la fotografía.

Fig 6. Detalle del desarrollo de la cabeza del camaelón, donde trabajo la textura importada del lienzo de la fig 4 aplicándole tonos, detallado verrugas, zonas de sombras...en fin todo lo necesario para dar una impresión realista.

Fig 7. Finalmente, después de un concienzudo proceso de coloreado, desarrollo de texturas y detalles, la ilustración está terminada. Es fundamental tener en cuenta el tema de la luz, su dirección, además de su incidencia sobre los elementos de la composición para lograr el efecto de relieve, realismo y profundidad.

LA AEROGRAFÍA parte I

2011-03-08T19:25:00.000-08:00

Fragmento de la pintura aerográfica "ABANICO CREATIVO" de

Héctor Barceló, autor del BLOG y de este artículo.

Un breve repaso sobre esta difícil técnica que ha sabido desligarse del ostracismo de los puristas para ocupar un lugar digno en el mundo artístico.

Qué es la aerografía? Es la técnica pictórica que utiliza la pintura pulverizada a través de un chorro de aire para aplicar color cobre una superficie plana o tridimensional. El instrumento esencial en esta técnica es el aerógrafo , que es en resumidas cuentas el aparato que usa el ilustrador para pulverizar la pintura merced a una fuente de aire comprimido.

TIPOS DE AERÓGRAFÍA

Hay tres tipos esenciales de aerografías:

De máscara fija

De máscara suelta.

A mano alzada

La primera (que, por cierto, es la que más requiere habilidad y destreza) consiste en pintar reservando el espacio mediante una máscara previamente recortada. La máscara se hace por medio de una película autoadhesiva transparente que se pega sobre la superficie de trabajo para después recortar con un bisturí aquellas zonas donde el artista desea rociar pintura. Esta operación se repite pacientemente muchas veces hasta que queda completada la ilustración. Obviamente mientras se rocía una zona recortada el resto de la pintura queda cubierta con la película, lo que imposibilita tener una visión completa de ella mientras se pinta. Esto obliga al artista a memorizar la parte del trabajo que está tapada (recordar su tonalidad de sus colores, su intensidad etc) para poder desarrollar correctamente la zona que está pintando en ese momento. Esta es la razón por la cual se afirma que el artista de aerógrafo “pinta a ciegas” .La aerografía de máscara fija es la usada a nivel profesional para trabajos destinados a la impresión, y fundamentalmente es para soportes de tamaño relativamente pequeño.

En el segundo tipo, de máscara suelta, el espacio a pintar no se reserva con película adhesiva, sino, con otro tipo de elementos, tales como: cartulinas, acetatos, cartones, o cualquier otro material. Así, el artista utiliza sendas máscaras recortadas de diversas formas para reservar o tapar zonas. Como estas máscaras no se pegan a la superficie de trabajo se les llama “sueltas”. Se pueden asegurar, para que no se vuelen mientras se rocía, con la mano o con (si el soporte lo permite) cinta adhesiva, chinches, alfileres etc.

Utilizando cartulina como máscara suelta sobre un soporte de tela.

Ya en el tercer tipo no se usa ningún tipo de máscara, ya que el artista resuelve toda la ilustración libremente sin delimitar y reservar zonas. Graduando el grosor del choro de pintura pulverizada, resuelve volúmenes, define bordes etc.

Es más común este tipo de aerografía en el muralismo donde el tamaño del área de trabajo hace oneroso el uso de máscaras para cubrir zonas a pintar.

Sin embargo, y por experiencia propia, lo más común y recurrente es que muy poco se use al cien por ciento un solo tipo de aerografía durante el desarrollo de una pintura, incluso si es un mural. Aunque se este aplicando película autoadhesiva, habrá algún momento en que se recurrirá a una máscara suelta para definir algún detalle (un brillo borroso con pintura blanca, un borde que deseamos se vea difuminado etc.) O en algunas ocasiones se hará necesario pintar a mano alzada en ciertas zonas, como un celaje con nubes por ejemplo.

Igualmente, pintando un mural podrían emplearse mascaras para definir los detalles que el artista crea necesario.

Pinturas y soportes

Es posible utilizar cualquier tipo de pintura en la aerografía: Óleo, Acrílico, vinilo, Laca, Acuarela, Tinta. Sin embargo, sólo esta última puede usarse directamente, sin necesidad de diluirla; lo cual, la convierte en la más utilizada ya que no hay peligro de que se tape el aparato. En cuanto al resto, el aerógrafo las pulveriza siempre y cuando se diluyan muy bien con el solvente adecuado (hasta que queden con la consistencia de la leche) para garantizar el buen rendimiento del aparato.

Con los soportes pasa igual: se puede usar cualquiera, ya sea papel acuarela, cartón durex (el que yo uso) acetato, lienzo o la superficie de una pared.

El aerógrafo

El aerógrafo se ha constituido en una importante herramienta de expresión gráfica a través de la historia, ya sea en el aspecto publicitario o artístico. Fue inventado en 1893 por el acuarelista inglés Charles Burdik en su afán de encontrar una forma rápida y efectiva de colorear celajes.

Básicamente el aerógrafo funciona gracias al principio de atomización interna, Un caudal de aire comprimido pasa por la boquilla donde se mezcla con la pintura. El vacío que se crea en la parte delantera de la boquilla hace ascender la pintura del depósito y la mezcla con el aire comprimido, lo cual permite su salida en pequeñísimas partículas agrupadas en forma de chorro. Este puede ser controlado y regulado alternando la proporción aire/pintura mediante una palanca.

Aerógrafo de acción doble Paasche

Aerógrafo de acción doble Astek

Aerógrafo de acción simple

Hay aerógrafos que sólo pueden alternar la proporción de aire, lo que quiere decir que en estos modelos la palanca de control se acciona sólo para dejar pasar aire y así pulverizar la pintura, no es posible alterar la proporción conjunta aire/pintura. Si queremos alternar la tonalidad de una rociada debemos variar la distancia ente el aerógrafo y la superficie de trabajo. A este tipo de aerógrafos se le denomina “de acción simple” y es el más apropiado para trabajos sencillos y de poca precisión.

El otro tipo de aerógrafo es de “acción doble” que permite al ilustrador regular el aire y la pintura con un sola palanca de control. Al apretarla hacia abajo se regula el aire y al correrla hacia atrás se regula la cantidad de pintura. Estas características permiten realizar, con suma facilidad de control, degradaciones y líneas finas.

FUNCIONAMIENTO DEL AEROGRAFO

El la parte delantera del aerógrafo está la tapa de aire y esta a su vez, aloja la boquilla. La tapa de aire está diseñada para dejar pasar aire alrededor de la boquilla. Unida a la tapa de aire por medio de una rosca está la guarda de la boquilla que tiene la misión de protegérla de posibles golpes.

La boquilla es la parte más importante del aerógrafo, puesto que tiene el encargo de controlar el chorro de pintura. Justo dentro de la boquilla se encuentra la aguja de fluido que se mueve hacia delante y hacia atrás; esta cooperación conjunta entre la aguja y la boquilla permite controlar el flujo de pintura proveniente del depósito de pintura. La aguja pasa a través de la columna ahorquillada de la palanca de control, de su caja de muelle y se apoya suavemente en la punta de la boquilla. Para mantenerse fija en su posición, la aguja tiene un tornillo de sujeción.

"Retrato surreal" 2000. Aerografía del autor del Blog y del presente artículo.

"Yo" 1999. Aerografía del autor del Blog y de este artículo.

"Valeria" 1999. Aerografía del autor del Blog y de este artículo

Ilustración: Héctor Barceló, autor del artículo.

El suministro de aire es controlado por un preciso sistema de válvula ubicado en el cuello del aerógrafo. Cuando se oprime hacia abajo la palanca, la válvula deja pasar el aire inmediatamente.

SUMINISTRO DE AIRE

El aerógrafo necesita un suministro de aire comprimido para pulverizar la pintura. Para esto existen diversos sistemas como latas de aire, compresores de diafragma, de pistón, etc.

Las latas de aire consisten simplemente en pequeños cilindros que se asemejan a los recipientes de los desodorantes. Contienen en su interior un volumen determinado de aire comprimido que suele ser de 500 cc. En la parte superior disponen de un válvula especial para enroscar la manguera del aerógrafo. La principal desventaja de este sistema es que la cantidad de aire que contiene la lata se va agotando poco a poco con el uso, y esto trae como consecuencia que la presión vaya bajando y finalmente afecte la consistencia del chorro.

Compresor de aire con tanque, filtro y regulador.

Si se desea hacer trabajos detallados o de calidad profesional es imprescindible la adquisición de un compresor que expulsa aire comprimido constante merced a un mecanismo de compresión que es accionado por un motor eléctrico.

Hay compresores de aire por medio de un diafragma que oscila hacia arriba y hacia abajo dentro de un cilindro. Esta oscilación hace fluctuar el aire hacia el aerógrafo. Cuando el compresor tiene el sistema de pistón, el proceso es igual al sistema de diafragma solo que en este caso es un pistón el que encarga de fluctuar el aire hacia el aerógrafo.

Existen compresores de pistón que traen incorporado un tanque, filtro de humedad con indicadores de nivel de humedad. Otros no tienen tanque y sólo disponen del filtro de humedad.

La aerografía en las artes.

Aerografía del artísta japonésHHideaki Kodama

En su obra “El gran libro técnico del aerógrafo” de Miguel Ferrón y José M. Parramón, este último dice con respecto a la aerografía: “Ya no hay problema, ya no hay rechazo (por parte de los círculos artísticos) actualmente se celebran exposiciones de arte de obras pintadas exclusivamente con aerógrafo; y hay nombres de artístas famosos, en el arte de resolver y pintar cuadros con aerógrafo..” En efecto, en el mundo entero, pero especialmente en EU y Europa, hay pintores de renombre que han usado este instrumento para hacer obras plásticas, pero no siempre fue así. Durante muchos años, la aerografía fue una técnica relegada de las artes plásticas. Se le veía como un medio para resolver solamente trabajos publicitarios, sin embargo, con el advenimiento del Pop Art las cosas cambiaron. La aerografía tuvo cabida inmediata en ese movimiento y desde entonces ha venido gradualmente instalándose en los círculos artísticos.

Uno de los movimientos artísticos donde el aerógrafo ha hecho gran contribución, además del mencionado Pop Art es el Hiperrealismo. El hecho de que se pueda obtener finos detalles y bordes exactos mediante un buen manejo del instrumento posibilita la obtención de resultados impresionantes, como el ejemplo de arriba y el de abajo.

Aerografía de Gottfried Helnwein

Sin embargo, el aerógrafo no posibilita realizaciones fáciles. Hace falta años para conseguir resultados aceptables, además de poseer un previo conocimiento cabal de dibujo, pintura y manejo de técnicas tradicionales (pincel, acuarela, pasteles, sanguina etc) Como dice el artista de aerógrafo Italiano Pierluigi Gatto, abordar el aerógrafo es como "...aprender a dibujar desde cero"

Haciendo un comic PARTE II

2010-11-30T19:18:00.000-08:00

Después del dibujo, llegamos al color. Antaño hacia esto con acuarelas, lápices de colores y rotuladores; pero ahora, me he cambiado, por su rapidez y calidad, a los medios digitales. Para este caso empleo los software Photoshop y Corel Draw. Acudo a la versión Cs2 en español en el caso del primero y a la versión X5 en el caso del segundo.

Para digitalizar la lámina dibujada a mano, le tomo una fotografía con ayuda de un tripode y una cámara Kodak con función de estabilización de imágenes ( máximo enfoque ) Después de varias pruebas cuidadosamente realizadas, inserto la foto en el interfaz de Photoshop y empiezo el trabajo de color:

Reservando espacio con la barita y el pincel coloreo
el rostro del primer plano.

Para el oleaje y las rocas de los espolones, el mismo método.

Poco los personajes de los primeros planos van tomando

colorido. Sombras, reflejos, texturas aplicados hacen del dibujo

un ambiente dinámico y con vida.

Ahora procedo a pintar la heroina, insertándola en la interfaz de Photoshop.

Cuido de que la iluminación de ella esté acorde

al resto de la escena.

Desarrollo la heroina, completando el resto de su cuerpo.

Siempre usando la varita para reservar y el pincel en modo

de aerógrafo para colorear.

En la escena hay una Luna a lo lejos. Para hacerlo, abro

inicialmente el software Ilustrador Cs4.

Después traslato el circulo a Photoshop y desarrollo

la atmósfera de la Luna. (utilizo la opción esferizar )

Una vez pintada la Luna la coloco en su sitio, asimismo pinto

el resto del cielo crepuscular.

Inserto la lámina en Corel Draw y coloco la heroína

(ya terminada de pintar) en su lugar.

Finalmente coloco los globos y los textos en Corel y guardo
el archivo en formato CDR, para imprimirlo.

Haciendo un comic PARTE I

2010-11-23T13:10:00.000-08:00

Este es el proceso que empleo para dibujar y pintar una lámina de la novela gráfica "Epopeya", de mi autoría. Para el dibujo usé una pluma fuente profesional Rotring Art Pen, rapidógrafos desechables 0.3 y 0.5 marca Staeddtler y Edding respectivamente, plumillas, pincel No. 4 y un marcador de tinta permanente; asimismo, tinta marca Sheaffer para la pluma fuente y tinta china corriente para las plumillas. El soporte, cartulina Durex de 80 gr tamaño 35 x 50 cm.Para el color, use medios digitales como el programa Photoshop que es excelente ( y muy usado en por los comiqueros Manga)

Debo aclarar que estos materiales y procedimientos pueden que no se parezcan en nada a los que usan otros dibujantes, de hecho, cada uno (de acuerdo a su experiencia) emplea los implementos con los cuales se sienta más cómodo.

Antes de empezar a trabajar, ojeo muestras de comics para ajustar el estilo.

Como se puede apreciar en esta foto, mi comic está inspirado

en el dibujo de Harold Foster.

Después de tener una idea clara y precisa sobre la composición de la escena, empiezo a dibujar usando un lápiz HB.

Resuelvo las figuras a medida que profundizo en los planos.

Entinto con la Pluma Rotring.

En forma cuidadosa se resuelvo los detalles.

Para los intersticios más complicados (pupilas, pliegues de párpados, orejas..etc) uso una plumilla fina cargada de tinta china.

Con el pincel voy trazando el oleaje del mar tempestuoso que hace

parte de la escena.

Aspecto de la escena, donde se aprecia el trabajo del pincel y la

pluma rotring para darle forma al oleaje.

En la composición también aparecen unos espolones rocosos, los cuales
los resuelvo con el rapidógrafo, la pluma rotring y un marcador permanente.

La primera parte de la escena terminada.

Ahora procedo a dibujar el personaje central de la lámina: la heroina que aparece para ayudar al grupo de exploradores. Cabe resaltar que este dibujo lo hago en un cartón aparte para después integrarlo a la composición una vez empiece el trabajo digital.

La arquitectura Nazi, parte I

2010-07-28T10:38:00.000-07:00

Un breve recorrido en partes a través de este curioso estilo arquitectónico, que quiso representar fallidos sueños de una supuesta grandeza.

El régimen Nazi buscó mostrar una imagen de fuerza y supremacía a través de la propaganda. Y la arquitectura no fue la excepción, de hecho instauró un estilo monumental y absorbente. Dicho estilo estaba inspirado en el clasicismo romano, pero exagerado; desnudándolo, al quitarle los decorados, para mostrar las fachadas desnudas que descubrían elementos crudos. “Clasicismo Desnudo” fue el nombre que se le vino a dar a este estilo arquitectónico.

Una característica fundamental de la arquitectura del III Reich, fue la inclinación por los grandes tamaños: obras monstruosas, colosales que estaban diseñadas para intimidar y convencer a los espectadores de quién era el que mandaba.

Elementos crudos, grandes tamaños y exageración del antiguo estilo

clásico de los romanos, son algunos de las características de
la arquitectura del III Reich.

Germania o Welthauptstadtl, la capital del mundo.

Hitler soñaba con gobernar a Europa y para eso concibió, junto con su arquitecto favorito Albert Speer, la capital del mundo. Las ilustraciones y planos de lo que sería esa imaginaria ciudad han sobrevivido hasta hoy, lo que nos permite apreciar como sería su aspecto.

Un gran bulevar de 4.53 kilometros de longitud, llamado Prachtstrasse (“Calle de la magnificencia”), era el eje principal de la ciudad. Al estaba rematado por un gigantesco arco de 122 metros de alto, capaz de albergar completo el Arco del Triunfo de París; y al norte, por un monstruoso edificio abovedado llamado Volkshalle (“Salón de la gente”) que debía tener 213 metros de alto y 244 de diámetro, capaz de albergar 180.000 personas en su interior. De haberse construido podría contener en su interior un edificio de 45 pisos y, de seguro, se habría convertido en el espacio cerrado más grande del mundo.

Magnifica ilustración en la cual, se aprecia un detalle

del gigantesco Volkshalle (“Salón de la gente”) Nótese que sólo
se aprecia tres decorados (las tres figuras de tamaño ínfimo teniendo
en cuenta las dimensiones del edificio)

El Volkshalle , representa la figura del líder supremo ( el Furer) que, divinizado como el caudillo supremo que regirá los destinos de Reich, está en contacto con el pueblo. Un pueblo, fanatizado y seducido por la propaganda nazi.

Su estructura de gran volumen, de exteriores macizos y carentes casi en su totalidad de adornos y estatuas, emergen ante el espectador atónito como una gigantesca mole impulsada por la fuerza y la autoridad del régimen.

Otra vista de este curioso proyecto que no llegó a construirse. Nótese las

dos gruesas columnas que acompañan a lado y lado la cúpula: son
volúmenes “desnudos”, castizos que más que todo, intentan
mostrar monumentalidad y poder.

El Volkshalle , fue inspirado en el Panteón de Roma

( aunque este último, considero yo, mucho más hermoso)

Comentando un cuadro mío

2009-06-16T19:52:00.000-07:00

Una tarde etérea con mi Lolita (2004)

aerógrafo y tinta.

El tema de las Lolitas, o pequeñas “nínfulas” agraciadas, lo estampó en la cultura popular el escritor Vladimir Nabokov al publicar en 1955 su obra cumbre “Lolita”, cuyo tema central giraba en torno a la obsesión de un hombre maduro por una bella adolescente. La novela tuvo una gran acogida entre el público convirtiéndose en un icono cultural que aún hoy perdura.

Desde entonces han sido comunes las referencias alusivas a Lolita, películas, series, pinturas etc. Oficialmente se han rodado dos versiones cinematográficas sobre la novela: la de Stanley Kubrick estrenada en 1962 (con guión del mismo Navokov ) y la de Adrian Line , de 1997. Aunque los criticones (como llamo a los críticos de cine) tienden a darle más mérito a la versión de Kubrick , para mí no hay duda de que la versión de Line, sin quitarle valor a su antecesora, es la mejor; no solo capta fielmente el espíritu de la novela original, sino, que logra enternecer de una melancolía abrumadora al espectador, algo que yo no pude percibir en la versión de 1962. Además, los actores están mejor elegidos: Dominique Swain en el papel de Lolita es sencillamente espectacular, mejor que Sue Lyon (de la versión del 62) quien se ve muy mayor con respecto a la imagen adolescente-infantil que construyó Navokov.

Otras referencias que conozco: la serie brasilera “La presencia de Anita” (No la he visto completa, pero tengo muy buenas referencias de ella), y la telenovela colombiana “Me llaman Lolita” (esta si la vi, empezó bien, pero termino muy mal) También se pueden apreciar relativas aproximaciones al tema en algunas películas. En “Juno” (2007) cuando el esposo de la pareja que se compromete a adoptarle el hijo a la protagonista (la adolescente embarazada Juno) entabla una cálida y enternecedora amistad con esta. La situación no se desarrolla más por cuenta de un suceso inesperado, pero deja entrever claramente que hubo una conexión especial entre el hombre maduro y la bella nínfula. Asimismo en “Escándalo” (2007) la cuestión se da, pero cambiando los papeles. La protagonista, una mujer madura insatisfecha con su matrimonio, se infatúa apasionadamente con un chico de 15 años.

Bueno, y después de esta brevísima reseña sobre las Lolitas, entró a hablar de mi pintura. Después de ver las películas y de haber leído la novela, decidí crear mi versión. El cuadro no nació solo, fue derivado de un relato escrito por mí llamado “Crónicas d Antaño”. En el, un hombre de 37 años, llamado Naren Ruíz, se sumerge años atrás para rememorar viejas épocas: anécdotas divertidas llenas de nostalgia y recuerdos de enamoramientos. Entre estos le dedica especial atención al gran amor de su vida (y actual esposa) Juliet Lían, que en esa época era una adolescente de 13 años. Para entonces el tenía 27 años y no comprendía por qué aquella chica púber le causaba tanta fascinación. Pero, con el pasar de los días se va enamorando de ella. Los dos llevan una relación casual, Juliet iba a la casa de Naren todos los días a hacer tareas de colegio. El trato continuo, fruto de esas tardes compartidas también va haciendo mella en la adolescente, quien al principio intenta reprimir ese creciente sentimiento hacia ese hombre mayor que apareció en su corta vida. En un determinado momento, en una tarde etérea llena de brisa y sol, en un solitario parque lleno de vegetación, los dos se besan al fin. La chica desde entonces da rienda a sus sentimientos.

Para la cita en aquel parque con Juliet, Naren lleva una cámara fotográfica. No era una digital, era una análoga Zenit de 35 mm (a la que su dueño llamaba cariñosamente “bola de hierro” por su peso) y es con esa cámara que toma la foto que reproduce mi pintura. La tarde de ese Sábado de Marzo era muy brisada, las hojas de los árboles se chocaban entre si movidas por las ráfagas de viento produciendo un sonido especial. Aparte de eso, el sol estaba radiante y el cielo azul, en fin una tarde etérea.

En la pintura, todas las características de esa tarde están graficadas: el reflejo luminoso del sol en el rostro de Juliet contrastado con la sombra de la visera, las finas hebras de cabello revoloteadas por la brisa, el fondo desenfocado de verde intenso herido por el astro rey, las hojas de la parte superior mostrándose traslucidas ante los rayos lumínicos, el rojo intenso de la flor del primer plano… Y el rostro de Juliet, sonriente, tierno y bello.

Tío Rico

2009-01-27T17:48:00.000-08:00

Disertando un poco sobre este magnífico personaje que marco mi infancia

El 31 de diciembre de 1983 tenía 9 años de edad, recuerdo que ese día mi padre salió a comprar las cosas para la celebración de fin de año: comida, whisky, gaseosa, en fin, un completo de “arsenal” para organizar la parranda con los vecinos y crear esa especie de atmósfera muy familiar que se experimentaba en la cuadra cada vez que llegaba la navidad. Despuntando la tarde de aquel día, mi padre regresó con sus pertrechos fiesteros, pero traía algo más.

_ ¿Qué es eso, qué traes?_ pregunté.

Pero el no me respondió, solo me dio dos revistas gruesas.

Eran dos comic-books sobre personajes de Disney, era la primera vez que los veía así, ya que sólo tenía conocimiento de ellos en películas y series televisivas. La presentación era en colores ( esos colores planos que tanto me llamaban la atención) y con dibujos que me parecían muy llamativos. Cada comic-books contenía diversas historias, que se prolongaban varias páginas, las cuales trataban sobre un personaje específico. Había tramas del Pato Donald, de Mickey Mouse y otros tantos. Desde el primer momento me gustaron esos comics, tanto, que rogué a mi padre para que me surtiera de ellos cada vez que salieran las ediciones.

Entrando el año 1984, me regalaron otro comic-books, esta vez traía historias de otro personaje, del cual me convertiría el más fiel fanático: “Tío Rico” (Uncle Scrogee en Inglés, Tío Gilito en España o por su nombre de pila: Mc Pato) el Tío archimillonario del Pato Donald, Hugo, Paco y Luis. Siempre me fascinó el entorno donde este pato vivía: una ciudad llamada Patolandia, un enorme depósito de dinero donde el guardaba su enorme fortuna, una familia patuna conformada por sus sobrinos Donald, Hugo Paco y Luis, un inventor llamado Giro sin Tornillos, y una pandilla de ladrones (los “chicos malos”) que acuden a los más ingeniosos ardides para sustraer el dinero del depósito. De esta amalgama de personajes y cosas surgen historias dignas de ser catalogadas como verdaderos clásicos del comic. Dichas historias están basadas en aventuras y situaciones embarazosas que le dan a estos personajes cierta verosimilitud, cosa que nunca tuvieron en las películas. Así, vemos a la familia patuna, a la cabeza de Tío Rico, a bordo de un Batiscafo descubriendo accidentalmente una ciudad en el fondo del océano, a 9000 mts de profundidad. Este episodio, “Perdido en el fondo del Mar”, apareció publicado en Colombia en noviembre de 1984 por la editorial Edicol, en la edición mensual “Super tío Rico Especial”.

La trama principal giraba en torno a la búsqueda, por parte de la familia patuna, de la moneda de la suerte de Tío Rico, la cual había caído accidentalmente en el fondo del océano cuando naufragó el barco que la transportaba. Otra historia muy buena, aparecida en la misma edición mensual a mediados de 1984 llamada “El pozo de dinero”, contaba cómo Tío Rico, ante el acoso de los chicos malos, tuvo que vaciar el depósito de dinero a través de un túnel hasta llevarlo a un desierto donde lo escondió en una especie de “bolsa” debajo del suelo. (Ver ilustración explicativa)

Desafortunadamente, el lote donde estaba la bolsa de dinero era del abuelo de los chicos malos y cuando estos descubrieron ese detalle jurídico, no vacilaron en montar una torre de extracción encima de la bolsa para sacar las monedas como si estuviesen sacando petróleo. El plan había fracasado, pero Tío Rico Mc Pato y sus sobrinos se las ingeniaron finalmente para recuperar la fortuna.

En ese mismo año (1984) en la famosa colección “Dumbo” leí una aventura clásica titulada “Correo interplanetario” donde Tío Rico y sus sobrinos viajaban a Venus y Marte a bordo de un cohete para entregar una carta dirigida a un habitante del planeta venusino . Resulta curioso, y me llamo mucho la atención en ese entonces, la forma como estaban recreados en la historieta los planetas Venus y Marte: el primero, estaba habitado por seres humanos gigantísimos que vivía en ciudades futuristas emplazadas debajo de una gruesa capa de nubes; el segundo, era un desierto árido en el que criaturas de diverso aspecto convivían.

También leí uno de los episodios más famosos del Pato archimillonario, que además fue presentado en la serie animada de Disney “Pato Aventuras”: “Robots ladrones” o “Los gigantes Robots ladrones” (según la traducción literal de la versión en inglés). En dicho episodio un científico construye unos robots gigantes, operados desde su interior por personas, que tienen la finalidad filantrópica de ayudar a la gente en los desastres naturales, incendios en edificios, etc. Pero aparecen en escena lo chicos malos, quienes no ven en dichas máquinas otra cosa que un instrumento eficaz para hacer el mal. Cuatro de ellos llegan al parque municipal de Patolandia y se cuelan en medio de la multitud que contempla la presentación de un prototipo. Luego, un chico malo toma el control de este, y empieza a atemorizar al público haciendo alarde del poder que tiene en sus manos. Pero su misión principal, y la de sus compinches, va más allá de asustar a la gente: robar la fortuna de Tío Rico.

Después de apoderarse de más robots que estaban almacenados en la bodega de la factoria, los cuatro chicos malos se dirigen hacia el sólido depósito de dinero del viejo pato Ultra millonario. Empiezan por darle martillazos (los constructores de esos robots también les dotaron de enormes herramientas de trabajo) para abollar las paredes blindadas y sacar el dinero; pero, como estas no ceden, deciden levantar la enorme estructura de sus cimientos y tirarla contra el piso hasta debilitarla. La estrategia funciona, y finalmente se dan el gusto de verter en cubetas gigantes las monedas y billetes “como un jugo” (según se lee textualmente en el cómic)

Cargando su botín, los chicos malos conducen a los robots a un club de golf en las afueras de Patolandia ¿Su fin? Festejar su logro. Me gusta muchísimo la viñeta donde aparecen los robots danzan en medio de la euforia. Al final, Tío Rico, con la ayuda sus ingeniosos sobrinitos Hugo, Paco y Luís recuperan el dinero; pero eso sí, a costa de la destrucción de esas infernales máquinas.

Aunque no parezca para muchos, estas historias, aunque sencillas, tienen realmente calidad argumental, están concebidas de forma inteligente y pueden hacer parte de cualquier antología de historietas fantásticas. Desafortunadamente, si uno lee la literatura sobre la historia del cómic casi nunca hacen referencia explícita a ellas, quitándoles su verdadero rol en el arte secuencial. Esto se debe, pienso yo, a que la gente ha encasillado la importancia de los personajes de Disney al ámbito de las películas y series animadas. Craso error porque fue en los cómics donde se hizo lo mejor con ellos en cuanto a tramas y guiones. (obviamente la serie televisiva “Pato aventuras” es una excepción, pero cabe recordar que no hace otra cosa que adaptar a la TV el ambiente , la parafernalia y los guiones de las historias originales que aparecían en los cómics)

Un rápido Análisis de los comics de Mc Pato

Las historias de Rico Mc Pato o Tìo Rico, de las cuales he reseñado unas pocas, combinaban algo de humor, aventura y, a veces, un poco de misterio. Estaban estructuradas de una forma simple pero inteligente, aplicando una narrativa entendible para cualquier tipo de lector .Los personajes animales tenían características altamente humanas además de parlar: los perros o cerdos caminan en dos patas; los patos usan las alas como verdaderos brazos dotados de manos etc. Es tanta la antropomorfonización, que uno cree inconscientemente que Tìo Ríco es una persona o no un animal. Esto, es mi concepto, le daba más verosimilitud o “ seriedad” a las tramas, de tal manera que pudieran mostrar características de verdaderas historias de aventuras.

Otra cosa interesante es el uso de la exageración como ingrediente atractivo, así tenemos el depósito de Tío Rico: un edificio enorme donde esta guardada toda su fortuna en monedas y donde pasa sus ratos libres “nadando” entre ellas. ( ¿Qué tal si Bill Gates cambiara todo su dinero a monedas y lo guardara en un depósito?! Vaya cosa!) o cuatro gigantescos robots danzando al lado de cubetas enormes llenas de dinero.

El dibujo era en esencia simple, pero dotado de gran dinamismo y movilidad. Una sola línea ondulada trazaba el contorno de los personajes y las cosas, los engrosamientos lineales iban en las zonas de sombras y los adelgazamientos en las zonas de luces. De ahí que el relleno para trazar mapas de sombra sobre los personajes era prácticamente inexistente, salvo raras veces. Las sombras proyectadas si eran reprensadas, así vemos que cada objeto, cada personaje tiene la suya.

Las nociones sobre perspectiva y teoría de luces son muy cuidadas en estos comics, de ahí que el entorno donde se movía la familia patuna era convincente. Un ejemplo perfecto lo vemos en la aventura donde Tío Rico busca la piedra filosofal y termina metido en el laberinto del Minotauro: la forma como están resueltas las grutas, las paredes de piedra del oscuro túnel es convincente, mostrando un grado de detalle muy bueno, no obstante la simplicidad del estilo. Ahora, y esto es una opinión como ilustrador que soy, el hecho de que el dibujo sea simple no el quita lo difícil. Se necesita una gran maestría para dibujar correctamente un comic de Tío Rico, sobre todo un pulso extremadamente seguro. Solamente trazar bien los ojos de los patos en tinta, usando plumilla, entraña una gran dificultad técnica.

En cuanto a los colores, cabe decir que siguen el mismo patrón sencillez: colores planos, pocas tonalidades, alto contraste. Sin embargo eso no le quita un ápice de calidad, ya que va de acuerdo con el estilo estético del comic.

Hablando del creador de Mc Pato

Mc Pato, la ciudad Patolandia , el inventor Giro Sintornillos (Gyro Gearloose), el primo afortunado Glad Consuerte , los villanos Chicos Malos, el Club de los Cortapalos , en fin todo ese mundillo de personajes que hizo brillar la casa Disney en el mundo del comic, fue creación de un notable dibujante: Carl Barks, quien nació el 27 marzo de 1901 en Oregon (EE.UU.). Sus primeros años los pasó dentro de la granja de su familia donde desarrolló una fuerte afición por el dibujo e incluso llegó a cursar un taller de cómic por correspondencia. Hacia 1918 parte hacia San Francisco en busca de nuevas oportunidades y recala, como dibujante, en el modesto periódico Calgary Eye-Opener. Consigue en 1935 un empleo en la productora de Walt Disney como animador de cortos animados, muchos de ellos con la participación del Pato Donald.

Corriendo el año 1942 las cosas en el estudio Disney iban no iban muy bien, ya que este se había convertido en una productora que exclusivamente de dedicaba a hacer films para los soldados que estaban en el frente de batalla (hablamos de la segunda guerra mundial).
Barks renunció a su puesto, pero paralelamente le ofreció a Western Publishing la creación de una serie de comic-books basados en los personajes de Disney. La empresa dio el sí y por eso ese mismo año aparece Donald Duck Find a Pirate Gold escrito y dibujado por Carl Barks junto con Jack Hannah. El éxito fue inmediato y Barks dedicó los siguientes 25 años a crear cientos de historias gráficas sobre el Pato Donald y su famila. Esta obra colosal no fue reconocida como se debía, porque todos los comics iban firmados con el nombre “Disney” y no con el del verdadero dibujante. Así, cuando en mi infancia leía una revista de Tío Rico, podía darme cuenta que en todas las historias llevaban la firma de Walt Disney. Entonces me preguntaba ¿Epa, será que Disney dibuja todo esto, o lo hacen otras personas? Podía diferenciar cada estilo y, por mucho experto que se fuera, es imposible que un solo dibujante desarrolle muchos estilos a la vez. La respuesta vino muchos años después cuando me enteré que esos comics que tanto me gustaban eran trazados en realidad por muchos dibujantes y no por el propio Disney.

Sin dudas la creación más importante de Barks fue Uncle Scrooge McDuck más conocido como el Tío Rico McPato (o bien Tio Gilito). Su primera edición data del 22 de abril de 1947. Allí aparece como un personaje realmente avaro y maligno (directamente basado en el Scrooge del Cuento de Navidad de Charles Dickens): Sus primeras palabras fueron "odio a todo el mundo y todo el mundo me odia". Su principal objetivo en la historia era amargarle la Navidad a sus sobrinos llevándolos a una cabaña en un bosque plagado de osos. Finalmente Donald y los niños superan la prueba siendo recompensados generosamente.
Con el tiempo McPato ganaría en bondad y en avaricia, convirtiéndose en un personaje tan popular como su sobrino. Incluso llegó a tener su propia publicación (Uncle Scrooge).

Ahora, de todos los dibujantes de comic patunos, Barks fue sin duda alguna el que más sobresalió. Fueron sus viñetas las que me cautivaron, fue estilo el único que preferí. Por esos años no tenía ni idea quien era el, pero podía reconocer fácilmente una historieta suya. Gracias a ellas, aprendí a dibujar caricaturas y , gracias a esas caricaturas, me adentre al mundo de la perspectiva, de la teoría de luces, de la figura humana y el dibujo en general.

En 1965 Carl Barks se retiro de la actividad de dibujante de comic y se dedicó a la pintura. Con su partida dejaba una obra importante en el mundo del comic, rica en creatividad e historias entretenidas. Como era de esperarse, la serie patuna decayó en creatividad al no encontrarse un dibujante del mismo calibre que Barks; esta es la razón por la cual, su trabajo siguió publicándose por muchos años más. En 1984 se suspendió oficialmente la impresión de la serie, aunque siguió publicándose en algunos países hasta 1993. De hecho, el último ejemplar que compré fue editado en ese año. De diez años para acá he buscado afanosamente nuevas ediciones, he ido a todos los puestos de revistas y librerías de la ciudad, pero el resultado es negativo. Lo único que me queda es comprar revistas usadas a alguien que este dispuesto a venderlas. Ante este panorama me pregunto ¿Por qué no reanudan la serie? ¿Si el comic Condorito a sobrevivido muchos años de publicación, por que no Tío Rico?

Para bajar comics de Tío Rico, les dejo el link de este excelente Blog en el que encontrarán varios títulos clásicos:

http://elchicodelostejados.blogspot.com/search/label/TIO%20RICO

El niño espulgándose

2009-01-19T18:32:00.000-08:00

Esta extraordinaria pintura de Murillo siempre
me ha impactado, no sólo por su perfecta técnica, sino
por su poderosa expresividad

Desde temprana edad, he tenido inclinación hacia el dibujo y la expresión gráfica; no es algo que se me haya enseñado, simplemente, nació en mí de forma maravillosamente espontánea, como si Dios lo hubiese puesto. Con el paso del tiempo he ido perfeccionando esa inclinación, especialmente desde que estudié diseño gráfico. De las largas horas de práctica y estudio, aprendí a usar la acuarela, los rotuladores, los colores, los pasteles, el aerógrafo y los Software de pintura; asimismo, descubrí (y aún lo hago) los misterios de la figura humana, de la perspectiva, de la teoría de los colores etc. No es de extrañar entonces que se haya desarrollado en mí una gran afición por el arte y todo lo que tenga que ver con el.

Sin embargo, no me considero exactamente un “pintor”, ya que mi oficio es el de Ilustrador y Diseñador gráfico, que es algo distinto. Pero eso no es obstáculo para apreciar y practicar la pintura, ya es bien sabido que hay arquitectos, ilustradores, diseñadores que han incursionado exitosamente en las artes plásticas. Ahí tenemos al acuarelista español Manel Plana, quien se inicio en el dibujo publicitario; a Ettore Maiotti, pintor italiano cuya profesión es diseñador gráfico y al “Mono” Angulo, acuarelista y arquitecto colombiano.

A lo largo de esta antología de sancochos temáticos, evocaré y comentare aquellas obras artísticas que siempre me han llamado hondamente la atención. Estas pueden ser de géneros variados como: pinturas, esculturas, obras arquitectónicas, filmes y hasta comics. En este texto me ocuparé de una pintura que me ha impresionado mucho, fue realizada por el pintor español Esteban Murillo hacia 1645, en pleno Barroco; le han dado varios nombres, pero el más común es “Niño espulgándose” del Museo de Louvre. Representa precisamente a un niño indigente, sucio, vestido con harapos, que se ha refugiado en el interior de un edificio abandonado para buscarse unas pulgas que se le han pegado al cuerpo y que lo mortifican con sus picaduras. Debido al uso de fuertes contrastes de luces y sombras (al mejor estilo tenebrista) que empleo Murillo en la pintura, se advierte un ambiente triste, solitario, y hasta melancólico. Me llama poderosamente la atención la forma como la luz proveniente de la abertura que está a la derecha, se posa sobre el cuerpo del niño transformándolo en una imagen llena de sombras dramáticas.

Es una obra impresionante, que expresa tragedia y ternura al mismo tiempo, lo cual es meritorio para Murillo, ya que logra enlazar estos dos aspectos perfectamente. Podemos entonces apreciar que, en medio del drama, se consigue mostrar una ternura congénita que no escapa de la mirada del espectador. Ahora bien, esta pintura la hizo Murillo en su natal Sevilla, en momentos en que la ciudad española vivía una situación terrible de pobreza y miseria. La peste había hecho estragos en la población, y muchos niños quedaron huérfanos, deambulando por las calles, buscando (y robando) cualquier cosa que pareciese comida. No es de extrañar entonces que Murillo, dominado por su espíritu apacible, se sintiera impulsado a retratar a esos pobres infantes.

“Niño espulgándose” me lleva a evocar mi propia ciudad, Soledad, donde abundan esos niños callejeros y hambrientos, que se conforman con cualquier mendrugo de pan o cualquier moneda. Cada vez qe veo uno de ellos, no hago otra cosa que recordar esta pintura inigualable.